第33回現音作曲新人賞の講評

　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　審査委員長　山本裕之

第33回現音作曲新人賞は、「邦絃楽器」という変わったテーマ設定がなされたため、個人的には応募が少なくなるのではないかと危惧しました。実際は18作品の応募があり、これは確かにこれまでの実績からすると少ない方ではあるものの、ほとんどの作品が今回の公募のために書かれたであろうと考えると、現代邦楽への感心が決して薄れていないことの表れであるとも思えます。そしてこのようなテーマ設定ができる現音作曲新人賞の存在意義は大きいと実感しました。

2016年11月25日（金）の譜面審査で4曲に絞りましたが、この時点で4曲が各々異なる方向性を持っていたこと、どれも高いレベルにあったことなどから、3月3日（金）の本選会ではかなり難しい審査が予感され、はたしてその通りとなりました。3人の審査員の判断はバラバラで、限られた時間内での選考は困難を極めました。しかしながら、審査員の中で共通する認識も多分にあり、最終的に総合的な判断で新人賞に伊藤作品を、富樫賞に増田作品を選出しました。なお富樫賞の授与は今回をもって最後となります。

以下、入選4作品についての講評です。

伊藤彰氏《好奇心ドリブン》（ギター、ヴィオラ、二十絃箏）は、3つの楽器がすべて絃楽器という共通性を持たせた上で、限られた素材、奏法およびピッチを用いることにより、音色の差異を効果的に聞かせた作品で、その繊細な感覚と作品のもつ力は特筆すべきものでした。音楽的な発想や使われた素材は必ずしも新しい方向性を覗かせてくれるものではありませんでしたが、何よりも完成度の高さがそれをカバーしています。

増田建太氏《樹に窓を見る》（十三絃箏、クラリネット）は、リズムの難しさと微分音の多用から、譜面審査では演奏の困難さが指摘されましたが、本選ではすばらしい演奏が披露されました。多用されている微分音からは「狂気」のようなエモーショナルな表現も期待されましたが、残念ながらそれはあまり目立ちませんでした。しかしながら、限定された素材で「聴かせる」音楽を作り出す力量は誰もが認めるところであり、作曲家としてのオリジナリティが感じられると評されました。

前半の2曲はどちらかというと理知的なアプローチが成功した作品でしたが、対して後半の2曲は作曲者の「感性」が魅力となった作品だったといえるでしょう。池田萠氏《硝子妄想（と、その解決）》（中棹三味線、歌唱を含む）は、4作品の中で唯一、伝統の「内側からの破壊」に挑戦した作品でしたが、それが成功しているかどうかについては審査員の間で評価が分かれました。他方、地唄のような従来の歌ものは基本的に「物語」を唄う形を取りますが、「ガラス妄想」という異文化（ヨーロッパ）の「状況イメージ」を日本の伝統音楽のフォーマットに載せたという点は、この作曲家のオリジナルな感性が発露した結果だと見て取れます。

最後の作品、原島拓也氏《極彩ドロップ No.2》（中棹三味線、十七絃箏、フルート）は、特殊奏法を駆使した音色観による独自の世界の構築が目指されていました。様々な工夫がなされていましたが、聴き手の耳が途中から慣れてしまうあたりは、音色の使い方が現代音楽のクリシェから抜けきれていなかったためかも知れません。しかし、奏法や和声の変化を効果的に配し、構成的に優れた作品でした。

以上、ポジティブとネガティブの両面から、各審査員の意見をまとめました。4作品のすべてに「惜しい」ところがあるとはいえ、最終的にユニークかつ高レベルの作品が集まったことは衆目の一致するところかと思います。審査の過程では「邦楽器に対してどうアプローチするか」が重要なポイントとして常に意識されました。たとえば2〜30年前の日本の作曲界において、邦楽の伝統とどのように対峙するか、伝統の重みをどう受け止めるかは多くの作曲家にとって常に大きな問題となっていましたが、近年の若い世代はやはり伝統を意識しながらも「肩肘を張らない」邦楽器への接し方をしている、というのは最近の傾向として見られ、今回あらためてそれが確認できたと思います。おそらく武満徹や三木稔のような先達が歴史の文脈で語られつつあるのに伴い、彼らが充分そこから距離を持てる世代となっていることが一つの理由であるのかもしれません。

最後に、今回の候補4作品の演奏がどれもすばらしかったとの声が多く聞かれました。近年、現音作曲新人賞でもベテランや中堅に混じって若い演奏家に参加して戴くことが多いのですが、作曲家の多様化する語法に応えられ、なおかつ音楽的にも技術的にも優れた演奏を実現できる奏者が、洋楽のみならず邦楽でも明らかに増えてきました。現代邦楽の層が確実に厚くなってきたことを確認できたのも、本本選会の収穫だったと感じた方は多かったのではないでしょうか。優れた奏者と若い世代の作曲家による相互作用が近い将来、日本の音楽文化のユニークなフェーズを創り上げていく、そんな予感さえさせる今回の新人賞選考会でした。

2016年度富樫賞受賞：増田建太

第33回現音作曲新人賞にて富樫賞を受賞いたしました、増田建太と申します。この度は名誉ある賞をいただき、重く受け止めております。拙作は、十三絃箏とクラリネットのための《樹に窓を見る》でした。

私事ですが、2月に短期的にヨーロッパに赴いて現地の現代音楽に深く触れていました。そして帰国直後から当本選会の打ち合わせが始まり、関西在住の私は本選まで東京に滞在しておりました。西洋の伝統の世界から打って変わって、邦楽の伝統の世界を垣間見る日々となり本当に新鮮な時間でした。そんなまだまだ未熟な私が奨励の意味が込められた富樫賞という評価を頂けたのは、恐れ多いことです。

富樫敏子さんから賞状と副賞を授与

作品に関しては沢山の学びと反省、そして発見がありました。拙作演奏者である吉原佐知子さんと岩瀬龍太さん、そして審査員の方々、故・富樫康さんの奥様である富樫敏子様、ご来場の皆様、日本現代音楽協会の皆様との出会いとやり取りを通して、多くのことを学べたように思います。作曲は孤独な行為であるというイメージを強く持たれがちですが、実際は外部との関わりや影響の賜物でもあると思います。そういった意味でも、今回の機会はまた一つ、自分の人生においてかけがえのないものであったと感じました。

また、このような場では私という作曲者ばかりを語ることになってしまいがちですが、演奏者のお二方には本当に多大なご努力をいただき、それがあって初めてこのような評価をいただけたことを申しておきたいと思います。

今回の演奏会「邦楽・絃楽プロジェクト」では、前半の新人賞入選作品とともに、後半の日本現代音楽協会の会員による邦楽作品も聴くことができたのが興味深い体験でした。言うならば、ある意味での新世代邦人作曲家による邦楽に対するアプローチと、中堅以降の世代の作曲家によるアプローチという、年代を超えた多様性を確認できたように思います。

特に面白いと思ったのは、伝統文化的成熟度という点で、演奏会後半の諸作品から学べることが数え切れないほどあったということです（もちろん、入選の4作品と会員作品の間に優劣があったという話ではないことを断っておきます）。私はこの瞬間に、初めて日本人のオリジナリティ、あるいはアイデンティティの堂々たる手がかりに触れたような気がします。

自分自身と環境との関わりが生み出す可能性において、私がいかに無知で、空白のスペースが自分の中にまだあるのかということを実感いたしました。しかしまた、今回の”新しい”新人賞入選作品に関しては、やはり若い私にはある種の強い共感を持つことができ、その共感性はおそらく新しいこの時代が生み出している文化の片鱗なのでしょう。

最後に・・・
今日まで続けられてきた審査員奨励賞である「富樫賞」は、驚いたことに今回で終了ということだそうです。最後の富樫賞をいただけたことを誇りに思い、またその評価に託された多くの方々の思いに応えられるように、今後も頑張っていきたいと思います。

皆様の心温かい応援に深く感謝いたします。
まだまだ至らない私ですが、また今後ともどうか宜しくお願い致します。

▼第33回現音作曲新人賞審査結果はこちら。

西村 薫（クラリネット／現代音楽演奏コンクール“競楽XII”ファイナリスト）

 
味府美香さんによる「現音・音楽づくりワークショップ2017 vol.4」に参加いたしました。

まず、私がこちらのワークショップへ参加に至るキッカケは、インターネットで偶然こちらの催しを見かけ、自分の母校の大学でこんな興味深いことを（しかも参加料無料で！）と思い、すぐさま参加申し込みを決意しました。
また、テーマがリゲティ&北爪道夫作品を基に“音楽づくり”を楽しもう！ということで、一見すると難しそうな内容なのですが、参加対象が音楽的な技術の有無を問わないとあるので、どのような内容で行われるのかということにも興味がありました。

実際に参加してみると、まず初めにテンポやリズムなどのズレに重点をおいた幾つかの簡単なエクササイズ（各々が手拍子でタイミングをズラすもの、各々がカスタネットを用いて拍子をズラすもの等）が行われました。ただ単にズラす作業だけが目的ではなく、そのズレによってどのような響きとなっているのか「聴くこと」も大事にされていました。ズレ合った音同士の奏でる響きにはある種の一体感のようなものを感じることが出来ました。
このズレにより生じた一体感を聴き、感じることは演奏する際にも大事な事で、今後の演奏に活かしたいと思いました。

グループに分かれて音楽をつくり作品を発表

ワークショップの後半では5つのグループに分かれて、前半のエクササイズを元にズレをテーマにした作品を各々の楽器を用いて作成し発表しました。それぞれのグループに個性が有り、それぞれ異なる作品が完成して面白かったです。

ワークショップの最後には北爪道夫先生の《サイド・バイ・サイド》を打楽器学生の石田湧次さんによって演奏されました。この作品は2連と3連のリズムのズレを用いた作品で、石田さんの演奏はその意図がとても良く表現されていて、とても素晴らしかったです。

音楽づくりワークショップには今回初めて参加させていただきましたが、参考になることが沢山あり、次回以降も是非参加したいと思いました。

ワークショップリーダーの味府美香（左）と《サイド・バイ・サイド》について語る北爪道夫（右）